Xletra es la revista académica de la Universidad de las Artes de Yucatán (UNAY), orientada a la difusión de investigaciones artísticas de calidad desde enfoques críticos, creativos y transdisciplinarios. Publicará semestralmente artículos originales, estudios de caso, entrevistas y reseñas, con acceso abierto bajo licencias Creative Commons. Su gestión se basa en revisión por pares doble ciego y el uso del sistema OJS. Está dirigida tanto a autores internos como externos a la UNAY. Busca posicionarse como referente nacional e internacional en investigación artística.
El camino a la colectividad, ¿una utopía?
Este texto reflexiona sobre la creación colectiva en el grupo Eutheria Teatro, a partir del proceso de creación de su obra Vine a Rusia porque me dijeron que acá vivía un tal Antón Chéjov. Desde una escritura situada, el ensayo articula memoria, práctica escénica y pensamiento crítico para indagar cómo se configuran los vínculos, las decisiones artísticas y las tensiones internas dentro de un colectivo. Asimismo, el texto dialoga con el concepto de utopía como motor del quehacer escénico colectivo para replantearlo no como un horizonte idealizado, sino como una práctica concreta que atraviesa los modos de producción, la organización del trabajo y la relación entre las personas que crean juntas. --- This text reflects on collective creation within the group Eutheria Teatro, based on the creative process of their play Vine a Rusia porque me dijeron que acá vivía un tal Antón Chéjov. From a situated writing perspective, the essay articulates memory, stage practice, and critical thinking to investigate how bonds, artistic decisions, and internal tensions are shaped within a collective. Furthermore, the text engages with the concept of utopia as a driving force for collective stage work, aiming to reframe it not as an idealized horizon, but as a concrete practice that permeates modes of production, labor organization, and the relationships between those who create together. Keywords: collective creation, theater collective, utopia, Mexican theater, memory
Derechos de autor 2026 Jorge Enrique Sánchez Viñas
Sujeto del drag callejero en Progreso, Yucatán
En Progreso, México, municipio costero aledaño a Mérida ―capital del estado de Yucatán―, se realiza un evento callejero denominado Diversiabrazo, donde se presentan espectáculos drag. Las circunstancias específicas en que el drag callejero sucedió han permitido pensarlo como manifestación de un sujeto político, por lo cual el objetivo del trabajo fue documentar y comprender cómo este último emergió. Para lograrlo, se realizó una aproximación etnográfica entre 2022 y 2025. Se encontró que: el sujeto del drag emergió en un contexto propicio; la experiencia drag local puede ser liberadora para quienes la practican; y los límites conceptuales que definen tal sujeto son precarios, por lo cual puede reconocerse por nombrarse a sí mismo como drag. La investigación ha permitido reflexionar y desplazar preconcepciones para dar lugar a posibilidades donde convergen la política, el género, el arte y otras manifestaciones socioculturales. --- Progreso, Mexico, a coastal municipality adjacent to Mérida―the capital of the Yucatan state―holds a street event called “Diversiabrazo”, where drag shows are presented. Street drag has been thought of as a manifestation of a political subject due to the specific circumstances under which it emerged, for which the objective of this work was to document and understand its emergence. To achieve this, an ethnographic approach was adopted between 2022 and 2025. It was found that the drag subject emerged in a propitious context; the local drag experience may be liberating for those who practice it; and the conceptual boundaries that frame such a subject are porous, for which it may be recognized by self-identifying as drag. The research allows us to reflect on and replace preconceptions to give place to possibilities where politics, gender, arts, and other sociocultural expressions converge. Keywords: LGBT+, sex and gender diversity, transvestism, transformism, cisheteronormativity
Derechos de autor 2026 Daniel Isaías Ancona Cobá
Constelaciones de lo geológico en la cultura visual del siglo XXI
El presente texto estudia la relevancia de lo geológico en la cultura visual contemporánea. Un experimento reflexivo inspirado en la metodología de constelación desarrollada por Walter Benjamin, que consiste en armar un montaje de imágenes o audiovisuales heterogéneos provenientes de distintos campos disciplinares, para buscar significados emergentes que provoquen la reflexión en torno al concepto de geología y otros afines, como Antropoceno, ecocinema y ecología política, que posibilitan un entramado para la imaginación (figuras que emergen), así como nociones éticas y políticas sobre otros mundos posibles. --- This text examines the relevance of the geological within contemporary visual culture. It is a reflective experiment inspired by the constellation methodology developed by Walter Benjamin, which involves assembling a montage of heterogeneous images or audiovisual works from diverse disciplines, to seek emerging meanings that prompt reflection on the concept of geology and related ideas such as the Anthropocene, ecocinema, and political ecology. These concepts provide a framework for the imagination (emerging figures) as well as for ethical and political notions regarding other possible worlds. Keywords: constellations, geology, ecocinema, Anthropocene, political ecology
Derechos de autor 2026 Fernando Adrián Tenreiro Lazo
Este artículo analiza las prácticas artísticas de Maria Grazia Carriero y Sofía Echeverri a partir de la noción de liminalidad, entendida como categoría estética, política y epistemológica. Mediante un enfoque comparativo y situado, el estudio examina cómo ambas artistas activan formas contemporáneas de ritualidad vinculadas al cuidado, la memoria, el duelo y la relación con el territorio. En el caso de Carriero, la performance, el cuerpo, la voz y la tierra configuran dispositivos de copresencia y reparación simbólica; en el caso de Echeverri, la pintura opera como una gramática visual del tránsito, donde la figura femenina asume funciones de guía, mediación y relectura crítica del archivo. El marco teórico articula los estudios sobre los ritos de paso de Arnold van Gennep y Victor Turner con perspectivas contemporáneas sobre el dispositivo, la crisis de presencia y la ética del cuidado. La investigación sostiene que el arte contemporáneo no reproduce simplemente el rito, sino que produce condiciones liminares capaces de reorganizar la mirada, activar memorias comunitarias y generar formas sensibles de vínculo. Desde esta perspectiva, la liminalidad se propone como una categoría analítico-operativa para interpretar prácticas artísticas feministas orientadas a la vulnerabilidad compartida y a la reparación de lo común. --- This article analyzes the artistic practices of Maria Grazia Carriero and Sofía Echeverri through the notion of liminality, understood as an aesthetic, political, and epistemological category. Through a comparative and situated approach, the study examines how both artists activate contemporary forms of rituality connected to care, memory, mourning, and the relationship with territory. In Carriero’s work, performance, body, voice, and land configure devices of co-presence and symbolic repair; in Echeverri’s work, painting operates as a visual grammar of passage, where the female figure assumes functions of guidance, mediation, and critical rereading of the archive. The theoretical framework brings together Arnold van Gennep’s and Victor Turner’s studies on rites of passage with contemporary perspectives on the dispositif, the crisis of presence, and the ethics of care. The article argues that contemporary art does not merely reproduce ritual, but produces liminal conditions capable of reorganizing vision, activating communal memories, and generating sensitive forms of relation. From this perspective, liminality is proposed as an analytical-operative category for interpreting feminist artistic practices oriented toward shared vulnerability and the repair of the common. Keywords: liminality, ethics of care, contemporary art, rituality, feminist epistemologies.
Derechos de autor 2026 Giuliana Schiavone
El presente artículo expone una investigación teórica y autoetnográfica orientada a la construcción de un modelo didáctico innovador para la enseñanza de la historia del arte en la educación superior, centrándose específicamente en el ámbito de la profesionalización de jóvenes artistas en la Universidad de las Artes de Yucatán. Partiendo del marco metodológico del conocimiento situado y sistematizando una trayectoria docente de más de veinticinco años como fuente de datos empíricos, el texto cuestiona las posturas pedagógicas rígidas y tradicionales que asumen al catedrático como poseedor exclusivo de un saber estático. En contraposición al caótico torrente informativo de la era digital y la inteligencia artificial, se propone una tríada de principios fundamentales: el sentido del humor como dispositivo epistemológico capaz de disolver tensiones cognitivas; la concepción de que todo arte es contemporáneo a su tiempo ―comprendiendo la historia desde la inmanencia temporal y el reconocimiento de nodos problemáticos universales compartidos por los creadores de todas las épocas―; y la deconstrucción crítica del poder mediante la metahistoria. Asimismo, se proponen cuatro nodos de sincronía atemporal identificados mediante la práctica reflexiva del autor, que permiten transformar el aula y la disciplina en un espacio de horizontalidad y gozo compartido, donde el estudiantado aprende a interpretar el pasado de forma genealógica para construir un relato propio, emancipatorio y directamente pertinente para su propia práctica creativa contemporánea. --- This article presents a theoretical and autoethnographic study focused on developing an innovative didactic model for teaching Art History in higher education, specifically within the context of professionalizing young artists at the Universidad de las Artes de Yucatán. Grounded in the methodological framework of situated knowledge and systematizing over twenty-five years of teaching experience as a source of empirical data, the text challenges rigid, traditional pedagogical stances that view the professor as the sole custodian of static information. In contrast to the chaotic torrent of digital media and generative Artificial Intelligence, the proposal establishes a triad of core principles: the use of humor as an epistemological tool to dissolve cognitive tensions; the premise that all art is inherently contemporary to its own time―approaching history through temporal immanence and the shared, timeless challenges faced by creators across eras―; and the critical deconstruction of power through metahistory. It introduces four atemporal synchrony nodes identified through the author’s reflective practice, transforming the classroom and the discipline into a horizontal space of shared joy, where students learn to interpret the past genealogically to construct a personalized, emancipatory narrative relevant to their contemporary creative practices. Keywords: art pedagogy, situated knowledge, autoethnography, epistemological humor, metahistory, artistic professionalization
Derechos de autor 2026 Leticia Alejandra Fernández Vargas
En el artículo se propone que la investigación en artes se centre en la autognosis o autoconocimiento y en el proceso creativo, con la intención de preservar el carácter crítico, indeterminado, poético y situado del arte. Para lograrlo, es indispensable procurarse momentos de ocio (libertad frente a las exigencias del sistema dominante) y silencio (actitud receptiva). La autognosis nos revela como seres relacionales y multidimensionales, es decir, no como entes aislados, sino como nodos dentro de un entramado de posibilidades (realismo relacional-agencial); seres que se vinculan y relacionan a través de cuatro dimensiones interconectadas: la racional, la volitiva, la sensible y la espiritual. De este modo, se enfatiza que somos seres responsables de nuestros vínculos con lo humano y lo no humano. Así, en la práctica artística consciente conviven: lo simbólico, que tiene que ver con el uso de símbolos que transforman el mundo, uniendo lo sensible/regulado (extensional) con la intención/interpretación (intensional); el juego, que es una ritualidad seria, sagrada y libre que desafía las reglas del mercado y permite imaginar otras realidades; y la técnica (techné), entendida no como explotación o eficiencia instrumental, sino como los haceres que responden orgánicamente a nuestras propias formas de vida. Por tanto, la investigación artística es una relación simbiótica entre investigar y crear que busca anomalías en las lógicas hegemónicas a partir de la conciencia del propio hacer en el arte. --- This paper proposes that research in the arts focuses on autognosis or self-knowledge and on the creative process, with the intention of preserving the critical, indeterminate, poetic, and situated character of the arts. To achieve this, it is essential to cultivate moments of leisure (freedom from the demands of the system) and silence (a receptive attitude). Autognosis reveals us as relational and multidimensional beings. We are not isolated entities, but rather nodes within a web of possibilities (relational realism). We are beings responsible for our bonds with both the human and the non-human, and we operate through four interconnected dimensions: the rational, the volitional, the sensible, and the spiritual. Within a conscious artistic practice, three elements coexist: the symbolic, which involves the use of world-transforming symbols that unite the sensible/regulated (extensional) with intention/interpretation (intensional); play, which is a serious, sacred, and free rituality that challenges market rules and allows us to imagine alternative realities; and technique (techné), understood not as exploitation or instrumental efficiency, but as the activity that responds organically to our own ways of life. Thus, artistic research is a symbiotic relationship between inquiring and creating that seeks anomalies in hegemonic logics through the awareness of one’s own making. Keywords: artistic research, creative process, autognosis, relational being, multidimensional being
Derechos de autor 2026 María Esperanza Rodríguez Zaragoza
Derechos de autor 2026 Universidad de las Artes de Yucatán
Derechos de autor 2025 Cuadernos de Investigación Ar´tística
Este artículo reflexiona sobre la interpretación musical desde una perspectiva material y performativa, cuestionando la idea de la música como un objeto estable susceptible de ser conservado. A partir del diálogo entre el nuevo materialismo y la práctica musical instrumental, se propone entender la música como un fenómeno relacional que se realiza en la acción. El instrumento es abordado como una materialidad en devenir, y la interpretación como una práctica situada que reconfigura continuamente el sentido musical. Asimismo, se ofrece una lectura crítica de la interpretación históricamente informada como un dispositivo de estabilización que produce nuevas normas estéticas. En conjunto, el texto plantea que la inestabilidad no es un problema que resolver, sino una condición constitutiva de la experiencia musical.
La canción lírica en la música latinoamericana de concierto del siglo XX
Este artículo tiene como objetivo analizar la canción lírica latinoamericana de concierto del siglo XX a través de la obra Verlaine, del compositor mexicano Salvador Moreno. Se parte de un enfoque analítico e interpretativo, a la vez que se abordan los rasgos estéticos, musicales y poéticos de la obra, así como su relación con las corrientes literarias de su época. Además, se reflexiona sobre la importancia de incluir el repertorio latinoamericano de concierto del siglo XX en los programas académicos de educación superior, replanteando la revalorización musical en los contextos formativos. La escasez de investigaciones, interpretaciones y grabaciones de este repertorio evidencia la necesidad de profundizar en su análisis y contribuir al conocimiento especializado sobre él.
El presente artículo analiza el caso de la novela El complot mongol (1969) de Rafael Bernal y sus traducciones intermediales homónimas en el cine (1977, 2019) y el cómic (2000, 2018). Para ello se parte de la teoría de la traducción intersemiótica desarrollada por Torop (2002) y Sonesson (2019), en la cual el traductor es el intérprete de los significados del texto fuente, que debe traducir dentro de la cultura de su propio contexto, con lo que continúa un proceso constante de autocomunicación que llega a conformar una semiosfera o espacio semiótico profundamente intertextual. Desde este marco, se exponen los diferentes significados que resultan de las traducciones de la obra y cómo estas se entienden en los diversos entornos de cada autor y cada obra específica. Por último, el estudio demuestra el papel central de la obra de Bernal en el desarrollo del noir mexicano y en sus distintos medios de expresión, lo que se comprueba en su reelaboración constante a lo largo de varias décadas.
Extensión e implementación del Programa Musical Activo (MAP) en centros educativos ordinarios
Esta propuesta plantea la adaptación y pilotaje del Programa Musical Activo (MAP) en un contexto de educación ordinaria inclusiva, con el objetivo de promover la participación conjunta de alumnado con y sin Trastorno del Espectro Autista (TEA) en actividades musicales estructuradas y creativas. El enfoque interdisciplinar del MAP se mantiene, pero se amplía para fomentar la convivencia, la empatía y la cooperación entre iguales, integrando la música como medio de expresión compartida y de construcción de vínculos en el aula. El diseño del programa combina elementos de educación musical activa, música comunitaria y pedagogías inclusivas, priorizando la accesibilidad, la participación significativa y el aprendizaje socioemocional. Las sesiones —de frecuencia semanal o quincenal— se organizarán en torno a tres ejes principales: (a) comunicación y expresión emocional: uso del sonido, el ritmo y la improvisación para facilitar la comunicación no verbal y la empatía; (b) cooperación y cohesión grupal: creación colectiva de piezas musicales, fomentando la escucha, el turno de participación y el trabajo colaborativo; (c) bienestar y autorregulación: actividades musicales que promuevan la relajación, la atención plena y la autorregulación emocional. La implementación piloto se llevará a cabo en uno o dos centros educativos ordinarios con aulas inclusivas o programas de integración, mediante la colaboración entre docentes de música, orientadores, terapeutas ocupacionales y especialistas en inclusión. La evaluación se basará en un enfoque mixto (cuantitativo y cualitativo), utilizando observación participante, entrevistas a docentes y cuestionarios de percepción de bienestar y convivencia. El proyecto busca demostrar la viabilidad del MAP como herramienta inclusiva dentro de la educación ordinaria, y generar un modelo replicable adaptable a distintos niveles educativos. Además, pretende aportar evidencias sobre el impacto de la práctica musical activa en el desarrollo socioemocional, la interacción entre pares y el clima escolar.
Inteligencia artificial en la educación musical
La inteligencia artificial (IA) está teniendo un gran impacto en la educación, al igual que sucede en diversos sectores. Este trabajo explora, a través de la revisión bibliográfica, parte de la literatura al respecto de este fenómeno, así como el estado actual de la aplicación de la IA en la educación artística. Se abarcan disciplinas como la danza, las artes visuales y el teatro, y se pone el foco en la educación musical. Se ha sistematizado un análisis documental para identificar las principales oportunidades que la IA ofrece para enriquecer los procesos de enseñanza-aprendizaje, en la personalización del aprendizaje, la mejora de la creatividad, la evaluación precisa y la optimización de la gestión educativa. Paralelamente, se examinan algunos desafíos inherentes a su implementación. Se incluyen preocupaciones éticas relacionadas con la privacidad y los sesgos algorítmicos, el riesgo de dependencia tecnológica y la necesidad de una formación del educador humano. Los hallazgos indican que, aunque la IA puede tener un gran impacto en la educación musical y artística, su uso efectivo necesita un enfoque equilibrado, colaborativo e informado. Por ello, su uso debe centrarse en el desarrollo total del estudiante y en la importancia del educador humano. ———— Artificial intelligence (AI) is having a major impact on education, as it is in a variety of other sectors. This paper explores, through a bibliographic review, some of the literature on this phenomenon as well as the current state of AI application in arts education. It covers disciplines such as dance, visual arts, and theater, with a focus on music education. A documentary analysis has been systematized to identify the main opportunities that AI offers to enrich teaching-learning processes, personalize learning, enhance creativity, provide accurate assessment, and optimize educational management. In parallel, some challenges inherent to its implementation are examined. These include ethical concerns related to privacy and algorithmic biases, the risk of technology dependency, and the need for human educator training. AI can potentially increase the quality of music and arts education. However, its effective use requires a balanced, collaborative and informed approach. Therefore, the focus should be put on the student’s total development and the importance of the human educator cannot be overlooked. Keywords: Artificial Intelligence, Music Education, Artistic Education, Dance, Theater, Visual Arts, Literature Review, Education Technology, Personalized Learning.
Impacto de la educación musical en el rendimiento académico y el desarrollo cognitivo en la etapa escolar
Numerosas investigaciones han evidenciado que la educación musical tiene un impacto positivo en el desarrollo cognitivo y el rendimiento académico de los estudiantes, especialmente en la infancia. A pesar de ello, las artes, y en particular la música, siguen ocupando un lugar marginal en los currículos escolares. Este estudio tiene como objetivo analizar de forma empírica cómo la formación musical influye en el rendimiento académico y el desarrollo de habilidades cognitivas en niños de primaria. Se propone una investigación cuasiexperimental con grupo control y grupo experimental, evaluando una muestra de 120 estudiantes entre 7 y 9 años. El grupo experimental recibirá formación musical semanal durante un curso escolar, mientras que el grupo control no recibirá intervención adicional. Se aplicarán pruebas estandarizadas para medir habilidades cognitivas y rendimiento académico antes y después del periodo de intervención. Se espera demostrar que la educación musical no solo potencia habilidades específicas del lenguaje musical, sino que también mejora competencias transferibles como la atención, la memoria verbal, el pensamiento lógico y el rendimiento académico general. Los resultados de esta investigación podrían servir de base para promover una mayor integración de la música en los planes educativos, en consonancia con los avances en neurociencia y psicología educativa. ———— Numerous studies have shown that music education has a positive impact on students’ cognitive development and academic performance, especially during childhood. Despite this, the arts—and music in particular—continue to occupy a marginal place in school curricula. This study aims to empirically analyze how music training influences academic achievement and the development of cognitive skills in primary school children. A quasi-experimental design is proposed, with a control group and an experimental group, evaluating a sample of 120 students aged 7 to 9. The experimental group will receive weekly music training throughout one school year, while the control group will not receive any additional intervention. Standardized tests will be used to measure cognitive skills and academic performance before and after the intervention period. The study expects to demonstrate that music education not only enhances specific musical abilities but also improves transferable skills such as attention, verbal memory, logical thinking, and overall academic performance. The results of this research could support greater integration of music into educational curricula, in line with advances in neuroscience and educational psychology. Keywords: Music Education, Academic Performance, Cognitive Development, Transferable Skills, Neuroscience.
¿Qué significa sonar bien? Una aproximación fenomenológica desde la experiencia musical y audiovisual
Este artículo propone una reflexión crítica sobre el concepto de “sonar bien” y de qué manera dicho concepto puede tener una serie de repercusiones en el ensayo, la sonorización en vivo, la grabación y hasta la postproducción audiovisual. A partir de una trayectoria personal como músico, productor y estudiante de posgrado se propone indagar, desde la fenomenología, en cómo las ideas sobre calidad sonora, mezcla, balance y percepción han sido construidas. Se estudia tanto el contexto no formal como el académico y profesional. Igualmente se aborda la cuestión desde la aparición de los primeros instrumentos sinfónicos hasta los equipos amplificados. Este texto articula una crítica en torno al mito del “oído privilegiado” y la tendencia del uso exagerado de volumen, generalmente causado por el mal manejo de las frecuencias graves. Se propone un enfoque técnico-ético para pensar el sonido como experiencia intersubjetiva. Este trabajo no es una crítica a la estética del sonido desde las posibilidades de la expresión artística, sino más bien al uso inadecuado de las herramientas tecnológicas. ———— This paper offers a critical reflection on the concept of "sounding good" and how such a notion can have significant repercussions in rehearsal, live sound reinforcement, recording, and audiovisual postproduction. Drawing from the author's personal trajectory as a musician, producer, and postgraduate student, the article adopts a phenomenological perspective to examine how ideas of sound quality, mixing, balance, and perception have been socially and culturally constructed. The analysis covers informal, academic, and professional contexts, tracing a historical path from early symphonic instruments to amplified equipment. The article questions the myth of the "privileged ear" and critiques the widespread misuse of volume, particularly through the mismanagement of low frequencies. It advocates for a technical-ethical approach to sound as an intersubjective experience. Rather than targeting the aesthetics of sound within artistic expression, the article critiques the improper use of technological tools. Keywords: Sound, Perception, Ethics, Phenomenology, Music Production, Mixing, Volume, Low Frequencies, Music Technology, Privileged Ear.
Conceptualización y prácticas metodológicas de la investigación-creación artística en el contexto hispano
Este documento presenta una revisión de la literatura existente sobre el concepto de la investigación-creación artística y sus prácticas metodológicas durante los últimos cinco años en el contexto hispano. Para este fin, se analizaron 45 documentos obtenidos a través de Mendeley, EBSCO, Scielo, Dialnet y Google Scholar. Como resultado, se identificaron diferentes maneras de representar lingüísticamente la relación entre la investigación y la creación artística, predominando el uso del guion como se presenta en este trabajo. Asimismo, fueron identificados puntos de encuentro entre sus diferentes acepciones que permiten vislumbrar una conceptualización y prácticas metodológicas en común para el fortalecimiento de la investigación artística a partir de la creación como un campo de estudio autónomo y diferenciado dentro de la academia, que insta a la inclusión de la obra de arte además del registro por escrito para la comunicación de los resultados. ———— This paper presents a review of the existing literature on the concept of artistic research and creation and its methodological practices during the last five years in the Hispanic context. To this end, 45 documents obtained through Mendeley, EBSCO, Scielo, Dialnet, and Google Scholar were analyzed. As a result, different ways of linguistically representing the relationship between research and artistic creation were identified, with the hyphen predominating, as presented in this paper. Likewise, common ground was identified between its different meanings, which allow us to glimpse a common conceptualization and methodological practices for strengthening artistic research through creation as an autonomous and differentiated field of study within academia, which encourages the inclusion of the work of art in addition to the academic writing for communicating results. Keywords: Research, Creation, Arts, Methodological Practices, Hispanic Context.
Cartografía patrimonial del Museo Yucateco (1866-1901)
Este artículo ofrece un examen historiográfico y crítico del Museo Yucateco, fundado en 1871, no sólo como institución científica y cultural, sino como un nodo a través del cual la élite yucateca del siglo XIX reforzó su injerencia territorial y prestigio al participar en las Juntas Auxiliares del museo y su red de donantes. A partir del estudio del campo documental del museo —particularmente de sus inventarios y correspondencia— el texto reconstruye cómo las prácticas de encuentro, donación e inventariado del museo fomentaron la apropiación de la cultura material maya. A través del análisis de la procedencia y distribución espacial de los objetos donados, así como del discurso que rodea su adquisición, el estudio revela las estructuras ideológicas y los silencios históricos que permitieron la conversión de restos arqueológicos en regalos patrimoniales. Desde un enfoque multidisciplinar que articula historia, estudios patrimoniales y teoría crítica, el artículo expone cómo el Museo Yucateco contribuyó a procesos de apropiación territorial y estratificación social, moldeando narrativas de largo alcance sobre patrimonio, identidad y propiedad en Yucatán. ———— This article offers a historiographical and critical examination of the Museo Yucateco, founded in 1871, not only as a scientific and cultural institution, but also as a node through which the 19th-century Yucatecan elite reinforced their territorial influence and prestige by participating within the museum’s Juntas Auxiliares (Auxiliary Boards) and its network of donors. Based on a study of the museum’s documentary field—particularly its inventories and correspondence, the article reconstructs how the museum’s practices of gathering, donation, and listing fostered the appropriation of Mayan material culture. Through an analysis of the provenance and spatial distribution of donated objects, as well as the discourse surrounding their acquisition, the study reveals the ideological structures and historical silences that afforded the conversion of archaeological remains into patrimonial gifts. From a multidisciplinary perspective that articulates history, heritage studies and critical theory, the article exposes how the Museo Yucateco contributed to processes of territorial appropriation and social stratification, shaping far-reaching narratives about heritage, identity, and property in Yucatan. Keywords: Yucatecan Museum, Auxiliary Boards, Inventory, Heritage Cartography, Museographic Gift.
Este artículo propone una aproximación filosófica al contrabajo como objeto técnico a partir de la obra de Gilbert Simondon, complementada con aportes de Bruno Latour, Alfred Gell y Bernard Sève. Lejos de entender al instrumento como una herramienta neutral, se lo concibe como un actante inscrito en redes materiales, simbólicas y afectivas. Esta perspectiva permite pensar el contrabajo no solo como productor de sonidos, sino como agente técnico y epistémico, cuyas propiedades inciden en la forma de componer, tocar y preservar la música. El enfoque integra práctica performativa, análisis organológico e interpretación filosófica, proponiendo una epistemología situada desde las artes. ———— This article proposes a philosophical rereading of the double bass as a technical object in becoming, drawing on the work of Gilbert Simondon, complemented by contributions from Bruno Latour, Alfred Gell and Bernard Sève. Far from understanding the instrument as a neutral tool, it is conceived as an actant embedded in material, symbolic, and affective networks. This perspective allows us to think of the double bass not only as a sound-producing device, but also as a technical and epistemic agent whose properties influence the ways music is composed, performed, and preserved. The approach integrates performative practice, organological analysis, and philosophical interpretation, proposing a situated epistemology from within the arts. Keywords: Double Bass, Technical Object, Concretization, Standardization, Actor- Network Theory.